Alberto Barbera: una vita per il cinema

Una passione per il grande schermo, quella del direttore del festival del cinema di Venezia, cominciata da bambino e che ha poi influenzato tutta la sua vita. Ci racconta di come sta cambiando il cinema, dell’importanza di investire sui giovani e del ruolo fondamentale della luce che definisce il filo rosso che segna tutta la storia del cinema

Prestissimo e da una sensazione di paura. Una domenica pomeriggio, avevo meno di cinque anni, in braccio a mio padre, entro nella sala del cinema parrocchiale di un paese vicino a Biella, nel nord del Piemonte, dove sono nato e cresciuto fino a 19 anni, mentre stavano proiettando una scena di tensione che mi ha fatto paura. Una sensazione che, però, nello stesso tempo mi ha affascinato perché da quel momento sono andato tutte le domeniche al cinema. Prima con mia nonna e, poi, sempre più da solo. Ricordo ancora lungo tutta la scalinata e la galleria del cinema le bellissime locandine dei film che sarebbero arrivati l’anno dopo che evocavano mondi lontani. Dietro ciascuna c’era un sogno che fosse un western o un poliziesco o un film di guerra o un melodramma.

Il film che ha segnato non solo la mia educazione sentimentale, ma anche quella di critica, è Jules e Jim di Francois Truffaut. Su di lui ho scritto la mia prima monografia critica, pubblicata nel 1976.

I giovani, soprattutto quelli tra i 18 e i 28 anni, sono stati molto numerosi, rappresentano più dei due terzi di tutto il pubblico del Festival grazie anche a una politica di investimento e di agevolazione nei loro confronti. Un’operazione molto importante anche perché oggi sono quelli che vanno di più al cinema. Mi hanno colpito molto durante il Festival per la loro passione, curiosità e voglia di vivere l’esperienza del grande evento.

Un grande festival come quello di Venezia, non può avere solo grandi autori affermati che, però, devono esserci perché sono quelli che attirano non solo i media e i giornalisti, ma anche le produzioni più piccole e indipendenti interessate alla risonanza mediatica. Ogni anno, la metà dei film invitati è di registi esordienti o in attesa di un riconoscimento internazionale. Non tutti sono belli. Ma quelli bravi rimangono e continueranno a produrre.

O si fanno i grandi film dei super eroi, dai costi esorbitanti, oppure si fa un cinema che coinvolge, emoziona, lancia messaggi, che incuriosisce e aiuta a riflettere. Il cinema non è solo fatto di effetti speciali, ma anche e soprattutto di storie coinvolgenti, emozionanti, in grado di affrontare tematiche diverse dalle consuete vicende autoreferenziali, che funzionano sempre meno perché ai giovani non interessano, mentre i più anziani non vanno a vederle perché hanno l’impressione di conoscerle già. In questi ultimi 2, 3 anni abbiamo vissuto un po’ in una bolla produttiva, ma qualcosa sta cambiando e continuerà e cambiare ancora.

Stiamo attraversando anni di profonda trasformazione come non mai. II cinema è sempre stato una storia di salti legati all’innovazione tecnologica. L’avvento del sonoro, del cinemascope, del 3D, il passaggio dall’analogico al digitale sono tentativi di dare oltre le immagini qualcosa di più. Durante il lockdown c’è stata l’esplosione dello streaming e sembrava che il futuro fosse solo quello. Poi le case di produzione si sono rese conto che le piattaforme funzionano molto meglio se abbinate con l’uscita in sala sia perché si guadagnano più soldi e sia perché c’è l’effetto promozione che anticipa e amplifica l’uscita in streaming. Mentre i film che escono solo sulle piattaforme rischiano di scomparire. Io sono ottimista sia perché si sta andando verso un assestamento del mercato con la coesistenza tra i due diversi sistemi distribuitivi e sia perché la produzione aumenta dappertutto, anche se la conseguenza di questa crescita esponenziale è il rischio di abbassare la qualità del tutto. Ma è vero anche che il gran numero di film prodotti aumenta la possibilità di scoprire e valorizzare nuovi autori e talenti. È sempre stato così nel cinema. Magari tre film vanno male, ma il quarto che va benissimo ripaga il produttore degli investimenti sui film che non hanno funzionato al botteghino. Così avviene da sempre. Pensiamo ai film degli anni ‘60 quando c’erano produttori come Carlo Ponti, Dino De Laurentis, la Titanus che producevano sia i film di Totò o di Alberto Sordi che quelli di Federico Fellini, Antonioni e Visconti. Il fatto è che non si possono produrre solo film di nicchia o solo di successo, anche perché è impossibile contare su di un successo garantito in partenza. Oggi che abbiamo capito che non esiste un solo pubblico ma tanti, occorre produrre per tipologie diverse di spettatori e segmentare l’offerta. A livello internazionale stiamo vivendo un particolare momento produttivo che, tra l’altro, è anche una condizione favorevole per generare un ricambio generazionale di cui abbiamo bisogno.

È un lavoro molto complesso e sempre più difficile.  Riceviamo, tra lungometraggi, documentari e cortometraggi, più di 4.500 film, perché chiunque può inviare alla selezione un film (purché sia inedito) pagando semplicemente 150 euro di iscrizione. Quindi, anche se li mettessi in fila per guardarli tutti non riuscirei mai a farlo in un anno. C’è un gruppo di esperti che lavora con me, persone di mia fiducia, composto di 13, 14 selezionatori. I film di produttori o autori che conosciamo e sappiamo per esperienza che ci propongono titoli di qualità li vediamo tutti insieme. Gli altri, dei quali non si sa nulla, vengono preselezionati da 3 altre persone, che fungono da primo filtro. Non ci sono criteri oggettivi. È necessario che il film ci colpisca per vari fattori: originalità, innovazioni formali, storia forte sostenuta da un linguaggio adeguato, capacità di emozionare: è l’insieme di questi fattori che conduce alla valutazione finale.

Sono cambiati il ritmo e la velocità di narrazione.  Un film di 20, 30 anni fa oggi ci sembra lento. C’è un’accelerazione narrativa, a volte anche frenetica, a cui corrisponde la necessità di coinvolgere lo spettatore fin dall’inizio con un effetto forte per non lasciare mai che si possa distrarre. Le nuove tecnologie, inoltre, permettono di realizzare effetti speciali incredibili a livello di invenzione visiva e narrativa. Ovviamente questo vale più per i film commerciali che non per il cinema d’essai. Inoltre, c’è una tendenza ad aumentare la lunghezza dei film e questo, da una parte, è conseguenza delle serie tv che hanno contaminato il linguaggio del cinema e, dall’altra, soprattutto nel cinema d’autore, diventa funzionale alla necessità di approfondire psicologia e comportamenti dei personaggi, o di conferire una dimensione letteraria alla vicenda narrata.

Il cinema è luce. Senza la luce il cinema non esisterebbe. È un fascio di luce che esce dal proiettore, colpisce uno schermo bianco e rappresenta un’apertura verso un mondo che può essere onirico o di approfondimento della realtà. È sempre la luce a determinare non solo la qualità di quello che vediamo ma anche la struttura dei personaggi. Proprio la capacità di lavorare con la luce e sulla luce è quello che ha fatto grandi alcuni movimenti espressivi del cinema. Come, ad esempio, il cinema tedesco in bianco e nero che lavorava sul contrasto tra il nero assoluto e poche luci che contribuiva a definire la psicologia dei personaggi, le emozioni, gli ambienti. Con il colore non è venuta meno questa capacità. Pensiamo a Vittorio Storaro che ha usato la luce in modo estremamente creativo e senza precedenti. Nei suoi film, soprattutto quelli dell’inizio della sua carriera, la luce sfonda gli ambienti, sovraespone gran parte dell’immagine isolando soltanto il personaggio. La luce rimane sempre il filo rosso che segna tutta la storia del cinema.

Ha sempre avuto un ruolo fondamentale ed è il collaboratore più importante del regista dal momento che nel cinema l’aspetto visivo è tutto. I grandi registi scelgono spesso lo stesso direttore della fotografia perché condividono la stessa immaginazione creativa, e se lo cambiano è perché vogliono cambiare qualcosa nel loro modo di raccontare.