Ron Gilad: la luce che nutre l’emozione (articolo pubblicato su LUCE 346, dicembre 2023)

LUCE ha incontrato il famoso designer Ron Gilad in un pomeriggio ancora assolato di fine estate a Milano, dove ha uno studio e insegna product design al Politecnico.

Prendiamo spunto da alcune delle lampade per Flos Wall piercing, 2620 e la Miniteca e gli chiediamo di parlarci del suo rapporto con la luce. “I grandi passi avanti nella tecnologia dell’illuminazione hanno aperto un’infinità di nuove possibilità per i progettisti e per le aziende. Possiamo paragonare la scoperta del LED con l’esempio di uno scultore che durante tutta la sua vita ha svolto la sua arte scolpendo il marmo, la pietra o forgiando il metallo, ma quando un giorno all’improvviso qualcuno gli dice ‘guarda, c’è un nuovo materiale: il legno’, per lui si apre un nuovo mondo. La lampada decorativa, se portata nel mondo della creatività e della bellezza diventa un’opera artistica, come un quadro o una scultura luminosa. D’altronde anche l’ergonomia riferita alla luce è diversa dalla disciplina classica, poiché, rispetto a un divano, una sedia o un tavolo, l’unica interazione con una lampada è accenderla o spegnerla o regolarne l’intensità, non ci sono le tante complicazioni della postura o del movimento che limitano la creatività. Nei miei progetti preferisco creare domande aperte che non hanno una risposta definitiva o perfetta. La mia ricerca artistica non si trasforma in pura matematica, in una formula chiara con una risposta univoca. A volte mi piace giocare in questa zona vaga in cui ti intriga qualcosa, riconosci qualcosa, ma non sai esattamente dove stai andando nel progetto. Come artista apprezzo molto poter lavorare svincolato dai limiti, poter progettare ‘cose’ come lampade e oggetti luminosi con piena libertà di espressione. Come ho fatto per esempio, per Cassina con gli specchi della collezione Deadline”.

Volevo realizzare una scultura iperrealistica di me stesso e la stampa 3D sembrava il processo più semplice. Ma è molto difficile scansionare il corpo intero di una persona in una posizione specifica, perché richiede molto tempo e ogni piccolo movimento rende il modello distorto e impreciso.  Alla fine, la scelta è stata quella di scansionare le parti del mio corpo per poi assemblarle nel computer. Forse sarebbe stato più facile andare a cercare un bravissimo studente o scultore all’Accademia di Brera che avrebbe potuto fare il lavoro in modo molto più semplice.

Forse di essere un risolutore di problemi. Per le menti creative il campo di gioco sta diventando sempre più piccolo, ma credo nella nuova generazione di studenti che sono curiosi e hanno il piacere della ricerca. Al giorno d’oggi non sempre si deve guardare gli oggetti dal lato artistico e bisogna educare gli studenti soprattutto a dare risposte all’industria e al mondo, non a creare solo emozioni. Queste sono un effetto collaterale. Prendiamo, ad esempio, lo smartphone: fondamentalmente è uno strumento, non è niente di più, risolve problemi. Ma come viene lanciato questo tipo di prodotto? Viene presentato come il nostro nuovo migliore amico e chi studia e realizza questa presentazione è molto convincente, perché si parla della materialità dell’oggetto, dei suoi valori e di tutto il resto che riesce a far appello al nostro immaginario.

Nel ruolo di docente universitario che cerca di educare gli studenti ad appassionarsi al design mi interrogo su che cosa potrebbe accadere. È un fatto certo che stiamo diventando globali e dobbiamo aumentare il nostro spazio creativo, il che vuol dire che abbiamo bisogno di più dipendenti nelle nostre aziende e di un maggiore raggio d’azione. Questo significa, quindi, che dobbiamo iniettare molta energia positiva per arrivare a un punto in cui diventiamo anche redditizi. Spesso, come designer o come aziende, può capitare che, invece, dobbiamo scendere a compromessi per parlare a un pubblico più ampio, in altre parole, molta offerta si riduce a prodotti di base. È andata persa una parte del coraggio che, per esempio, aveva l’industria italiana negli anni ‘60, ‘70, ’80. Una parte delle aziende sta perdendo la propria identità, il paesaggio della merce si sta appiattendo.

No, anzi li vedo come sfide non come limitazioni e trovo molto interessante affrontarli. La domanda invece è: “Che cosa facciamo? Produciamo un altro divano uguale agli altri, facciamo un’altra lampada sferica?” Credo che a volte ci si affidi alla certezza invece che al coraggio creativo e innovativo. Personalmente mi piace lavorare con le aziende e i loro ingegneri, perché, a differenza di quando lavoro come artista che devo fare tutto solo con le mie forse, nell’industria hai tantissimo supporto e la possibilità di dialogo. Ciò è importantissimo perché penso che, molte volte, le cose nascano da un confronto e non necessariamente dalle persone singole.

Secondo me software come ChatGPT sono solo strumenti. Fino alla fine del XVIII secolo pittori come Jan van Eyck ricercavano l’iperrealismo nei loro dipinti. Poi a un certo punto è stata inventata la macchina fotografica e improvvisamente tutta la ricerca artistica in questa direzione si è interrotta, portando artisti come Duchamp o Picasso a sviluppare nuove tecniche. La macchina fotografica, uno strumento avanzato per l’epoca, ha fatto cambiare direzione all’arte e penso che forse l’AI farà viaggiare l’arte e la cultura verso nuovi luoghi.