Tra favole, animali e sogni di bambini: l’arte e il design emozionale di Marcantonio (articolo pubblicato su LUCE 345, settembre 2023)

Non potevo fare altrimenti. Mi sono detto: devo utilizzare un concetto rivoluzionario. Ed è nata la scimmia che tiene in mano la lampadina. Che poi, dal punto di vista del design classico, è il modo più sbagliato di illuminare una stanza. Per vari motivi. Perché vedi la fonte luminosa, perché il corpo illuminante rappresenta solo una minima parte rispetto all’ingombro complessivo dell’oggetto, eccetera. Tutto vero. Ma in realtà da lì è nato un nuovo modo di illuminare.

Sì, la Monkey Lamp, per due o tre anni almeno, è stato il nostro prodotto più venduto. Direi 100mila pezzi o giù di lì. Ricordo quando siamo andati insieme in Cina, io e Marcantonio, con la prima scimmia scolpita: l’abbiamo tenuta per tutto il viaggio sulle ginocchia perché non ci fidavamo né di metterla nella stiva né nella cappelliera, avevamo paura che potesse rompersi, era troppo delicata. Quando siamo arrivati dal nostro storico fornitore, questi ha mostrato subito grande attenzione per la novità, il prototipo è stato ricoperto di silicone e così è partito lo stampo-madre, quello della scimmia seduta. Poi ne abbiamo fatte diverse versioni. Dopo è arrivato il topolino, che per qualche anno ha superato nelle vendite la scimmia grazie a un target price davvero molto interessante.

È un design emozionale a cui il consumatore si sente vicino. Usa un linguaggio universale, subito riconoscibile in tutto il mondo. Le faccio un esempio. Noi abbiamo una forte community su Instagram, oltre 400mila follower e, in piena pandemia, quando eravamo chiusi in casa, alcuni di loro avevano dato un nome alla scimmia o al topolino, proprio come si fa con gli animali domestici. Le dico di più. Il cane con il pezzo di lampadario in bocca è la copia fedele di Rio, il mio Jack Russell. Marcantonio ha voluto farmi una sorpresa. Ecco, questi sono oggetti che ti tengono compagnia. Una lampada di design, per bella che sia, non ti emoziona più di tanto… mentre un oggetto artistico disegnato da Marcantonio ci riesce molto di più.

A un pubblico estremamente giovane. Siamo orgogliosi di avere circa un 12% di acquirenti nella fascia di età 18-24 anni, e credo che nessuna azienda abbia queste performance. Ma non sono solo giovanissimi quelli che li comprano. Io stesso, come altre persone di mezz’età, sono curioso rispetto alle scelte dei giovani e quello che piace a loro molte volte piace anche a me.

Stiamo partendo con un filone molto difficile, ma in cui crediamo molto, quello delle figure umane. Abbiamo presentato e donato la prima opera pochi mesi fa al Museo del Cinema di Torino, si chiama Inner Glow (tradotto: bagliore interno), e rappresenta una bambina in scala 1:1 che tiene in mano un globo luminoso. Un’opera forte che ti colpisce molto quando la vedi. La riproponiamo ora a settembre a Maison et Objet, la fiera di Parigi, in edizione limitata. Certo, è un progetto impegnativo e difficile, perché passiamo dall’animale all’essere umano e speriamo che il mercato ci premi anche stavolta.

È vero, questo è un problema serio, sul mercato ci sono oltre 200 copie delle nostre lampade. Difendersi è quasi impossibile. Noi registriamo i modelli e ci avvaliamo di consulenti legali in varie parti del mondo. Ma succede quello che abbiamo visto nel campo della moda, è difficile contrastare il fenomeno. La vera differenza la fa il prodotto, perché se le analizzi tutte, non c’è una copia che si avvicini all’originale. Marcantonio è un bravissimo scultore e il confine tra l’arte e il gadget è davvero molto sottile: ci vuole pochissimo a cambiare l’espressione degli occhi, in giro ci sono imitazioni con troppi dettagli poco curati… Ecco questi, che sembrano particolari, in realtà fanno davvero la differenza. Grande Anima è un’opera lunga 12 metri che Marcantonio ha disegnato nel 2009. È riuscito a realizzarla solo 11 anni dopo, nel 2020, quando è stata esposta all’aeroporto di Fiumicino: migliaia di persone hanno ammirato il grande scheletro della balena appeso al soffitto, sospeso sulle loro teste a tre metri d’altezza, fluttuante presenza illuminata da centinaia di luci all’interno. Visione inattesa, sogno, stupore.

Pinocchio? Ma chissà (sorride divertito)… Ci sono animali che hanno un “percepito” più magico di altri: sono i protagonisti delle favole, delle storie dei bambini. O quelli che abitano il mito. La balena in fondo è un’arca, Moby Dick viene chiamato anche Leviatano, con un’accezione negativa legata al caos… Diciamo che lì, in quel progetto, io per la prima volta ho ascoltato il mio senso della meraviglia. Mi sono ricordato di com’era bello, da bambino, andare a vedere i musei della scienza, osservare gli scheletri dei dinosauri, animali enormi, e scoprire come erano fatti dentro. Così mi sono immaginato l’emozione delle persone con il naso all’insù a osservare la balena. E non volevo che la mia opera desse solo un’impressione negativa, perché lo scheletro lo colleghiamo alla morte. Volevo che fosse onirica e affascinante, l’idea di comporre l’anima dell’animale con centinaia di lampade e di renderla luminosa è stata in realtà l’intuizione iniziale: in questo modo si crea un contrasto, negativo e positivo, davanti al quale nascono domande.

Le luci sono l’anima del cetaceo, ma allo stesso tempo sono la nostra società, le lampade delle nostre case, dei bar e dei ristoranti, le insegne degli hotel e dei parcheggi, le luci delle città. Le lampade, in fondo, siamo noi. La balena è morta ma a guardar bene forse è ancora viva, esprime un senso di magia. Le luci ammassate sono belle. Le luci all’interno dello scheletro sono belle. Anche lo scheletro alla fine è bello. Non capiamo se la balena è viva o morta: ma se le luci siamo noi, allora la balena è viva e contiene le nostre vite. Ho espresso anche un invito a riflettere, ognuno ci vede un po’ quello che vuole.

Sì, e dopo la balena è arrivata la scimmia. La scimmia è un archetipo, in fondo la scimmia siamo noi. E in mano, invece di avere un osso – come nel finale di 2001 Odissea nello Spazio, il film di Stanley Kubrick – ovvero uno strumento che di fatto rappresenta il primo passo sulla strada di quell’evoluzione che porta all’uomo, ecco, la mia scimmia, invece di tenere un osso prende la luce. Entra in casa nostra, ci ruba la lampadina e va in giro per i fatti suoi. E poi da lì, da quella prima scimmia, proseguire è stato tutto un gioco ironico e poetico, con tutte le diverse declinazioni che le ho dato.

Già, il topo. Anche in questo caso un gioco legato all’ironia. Prima del topo si era pensato a uno scoiattolo o a un criceto, a un animale diciamo pure più “carino”. Ma io mi sono detto: se vai a vedere la mostra di un artista di cui conosci le sue opere, torni a casa e non è cambiato niente. Hai visto quello che già sapevi. Se invece quell’artista è in grado di farti piacere qualcosa che prima non ti piaceva affatto, se riesce a farti fare un passo in più, ad arricchirti di una poetica in più, ecco allora torni a casa e hai aggiunto qualcosa a quello che sapevi. Voglio dire questo: il topo, in fondo, è un animale che non piace a tutti, anche se è presente in moltissime favole per bambini. È un animale povero, umile. Ma raccontato così funziona e non appare banale.

Ha a che fare con il gioco. Io ho studiato arte, sono appassionato d’arte, e amo soffermarmi a capire quello che sto osservando. Apprezzo molto quando l’artista fa fatica. Quando tribola. Mi spiego meglio usando la frase di un attore dei Monty Python che ha detto che i più grandi creativi sono quelli che riescono a stare nel problema. Stare nel problema significa vivere il disagio e uscirne solo dopo averlo esaminato a lungo. E questa definizione si adatta perfettamente a me. Io sono in grado di rimanere nel problema più a lungo e mi prendo tutto il tempo per capire se la mia idea è giusta dal punto di vista etico, formale, strutturale, culturale. E più ci rimango, più approfondisco. Perché se il risultato alla fine appare semplice, allora è un successo. Ma non è facile arrivarci.

È vero, mi piace molto il guizzo geniale che spesso ha a che fare con l’ironia. Da qui la mia volontà di fare oggetti comprensibili a tutti, in qualsiasi parte del mondo, perché so bene che il mio design piace anche a chi non è appassionato al mondo del design. E a me diverte farlo vivere con un pizzico di provocazione e di spiazzamento. Si tratta di creare nuovi linguaggi con oggetti che già conosciamo. O meglio: creare oggetti nuovi con identità vecchie. Questa ricerca continua nasce da una mia necessità interiore, legata al sentirmi eternamente insoddisfatto. Quella predisposizione a tribolare è un po’ il leitmotiv del mio studio. Dico sempre a chi lavora con me che quello che fa non è abbastanza, che non va bene, che dobbiamo cercare ancora. Per questo poi non posso tollerare chi copia e magari pensa: “Che ci vuole? Lo faccio anch’io”. Chi non rispetta la proprietà intellettuale, l’idea avuta da uno prima di lui.